Entre cuerpos y fronteras: Cartografías diaspóricas queer de Timothy Hyunsoo Lee, es una retrospectiva que recorre más de una década de la práctica artística profundamente personal y materialmente rica de Lee. Desde sus primeras exploraciones del paisaje psicológico hasta sus recientes investigaciones sobre el folclore coreano, la diáspora, la identidad queer y la memoria intergeneracional; las obras reunidas en esta muestra trazan la evolución de un artista que es a la vez cartógrafo y testigo: cronista de las complejidades del pertenecer y del sobrevivir.
Lee, artista coreano-estadounidense con formación en neurociencia y arte, ha buscado desde sus inicios representar lo invisible: la ansiedad, la migración, el trauma, y la identidad queer. Su práctica fusiona lo empírico con lo poético, lo espiritual con lo corporal. A través del patrón y la metáfora, lo indecible se hace visible: la enfermedad mental toma forma fractal; la diáspora es un fantasma errante; el cuerpo queer se vuelve simultáneamente enmascarado y revelado.
La exposición se abre con Gookeyes (portraits of anxiety I) (2012–2014), una de sus primeras obras ejecutadas. Realizada durante un periodo en el que el artista lidiaba con un trastorno de ansiedad, la pieza ejemplifica su uso característico de la repetición como forma y contenido. Esta serie utiliza el papel como metáfora para explorar la política racial asiática y la ansiedad de Lee en torno a su cuerpo "amarillo". A menudo estereotipada como una comunidad sumisa y sin voz, Lee enfrentó estos supuestos culturales aprovechando la materialidad y la “blancura” del papel, transformándolo en algo más que una simple superficie para dibujar. En particular, al aislar los ojos del rostro en sus esculturas gook eyes —todos autorretratos tomados durante ataques de pánico—, se apropia del estereotipo del asiático “sumiso y silencioso” con fines confrontativos. Aquí nace el lenguaje visual de Lee: el terreno psicológico convertido en espacio tangible, lo íntimo vuelto colectivo.
Ese tono íntimo se extiende en el díptico Sad Boy I y II (2021), retratos abstractos que revelan una nueva sensibilidad emocional. El título de la serie sugiere un enfoque vulnerable y transparente hacia la masculinidad queer —una constante en la obra del artista. La serie Pillow Talk (Mask for Masc) I–III (2019) apunta a una crítica de la masculinidad normativa desde lo queer. Under the weight of rhetorics I (2023), por su parte, cuestiona los discursos institucionales e históricos, reafirmando el compromiso del artista con temas de borramiento y resistencia.
Por su parte las obras de la serie Gwisin (wandering, wandering) I–III (2023) giran hacia lo espiritual, aludiendo a los “gwisin”, fantasmas del folclore coreano que no han podido transitar al más allá. Estas piezas funcionan como referencia cultural y metáfora personal del artista como sujeto diaspórico —errante entre culturas, lenguas e historias. Deambular, en la obra de Lee, es tanto condena como forma de persistencia.
La mitología también aparece frecuentemente en la práctica de Lee. La obra kaedduk (for Ungnyeo) (2023), está inspirada en la figura mítica de Ungnyeo, la osa que se transforma en la madre fundadora de Corea, invocando la narrativa matrilineal, la transformación y el acto de arraigarse en lo ancestral —todo a través de una lente queer especulativa. A su vez, Haesik y Dalsun (ambas de 2015) remiten a la cosmología coreana (Haesik y Dalsun son deidades solares y lunares). Estas piezas, abstractas y simbólicas, sugieren una búsqueda de pertenencia cósmica del artista: ubicarse no solo en un territorio, sino en un orden mitológico y ritual.
En conjunto, estas obras no conforman una narrativa lineal, sino una constelación de símbolos, experiencias y fantasmas —personales y colectivos. En la obra de Timothy Hyunsoo Lee, el trauma adopta forma, la memoria se recubre de oro, y el cuerpo queer diaspórico puede finalmente flotar, resistir y ser visto.
Comisariado por Jal Hamad